Título Original A Londoni Ferfi Director Béla Tarr, Ágnes Hranitzky Año 2007, Hungría Guión László Krasznahorkai Música Mihály Vig Fotografía Fred Kelemen (B&W) Reparto Tilda Swinton, Erika Bók, János Derzsi, Ági Szirtes, István Lénárt, Miroslav Krobot Sinopsis Una noche Maloin, un trabajador de los ferrocarriles que está en una estación próxima al mar, presencia un terrible acto. Mientras observa desde la estación de control la llegada del último ferry, un hombre que desembarca es perseguido por un segundo, quien, tras una pelea, asesina al primer hombre y huye.
Premios Nominada a la Palma de Oro en Cannes 2007
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¿Por qué la hemos elegido?
Béla Tarr es un cineasta húngaro considerado por buena parte de la crítica internacional como uno de los mejores directores de cine del mundo en activo. Con su última película The Turin Horse consiguió el premio del Jurado en la última edición de la Berlinale.
Su estilo viene marcado por algunas generalidades como el uso de planos secuencias muy extensos, dilatados en el tiempo, con movimientos coreografiados, tanto de cámara (con sus desplazamientos), como de personajes en el espacio. La utilización del blanco y negro, y un uso muy particular de los reencuadres continuos de personajes y objetos que le permite evitar filmar los diálogos con el clásico plano-contraplano.
Con esta película, una adaptación de una novela del escritor belga Georges Simenon, Bela Tarr vuelve a la atmósfera claustrofóbica de sus primeras películas, apoyado en el monumental trabajo del director de fotografía Fred Kelemen, uno de los directores de cine europeos mas innovadores y enigmáticos.
Título Original Oasis Director Lee Chang-Dong Año 2002, Corea del Sur Guión Lee Chang-dong MúsicaJae-jin Lee
FotografíaYeong-taek Choi SinopsisHistoria de amor entre un hombre que acaba de salir de la cárcel y una mujer que sufre de una parálisis cerebral. Aclamado film ganador de numerosos premios en festivales.
Premios
Festival de Venecia:Premio Fipresci por la audicia y el corage de su imaginativa exploración de las dificultades de la comunicación y sus memorables actuaciones.Premio Marcello Mastroniani a la mejor interpretación joven para So-Ri Moon. Premio Signis
Nominada al independent Spirit Award a la mejor película extranjera.
Festival de Vancouver: Chief Dan George Humanitarian Award.
Festival de cine de Seattle: Golden Space Needle Award al mejor actor y a la mejor actriz.
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¿Por qué la hemos elegido?
Lee Chan Dong se ha convertido con los años en un importante valor proveniente de esa cinéfila e interesante corriente coreana (del Sur), por supuesto. Su cine representa las emociones desde la profundidad de las almas de sus personajes, muchas veces seres marginados o al menos cuyos comportamientos representan una distancia respecto a sus compañeros de andanzas. Poesía o Secret Sunshine son obras complejas pero construidas alrededor de unos personajes que ahondan en sus propias convicciones, en su propio sufrimiento, en su superación y en la complejidad de las respuestas ante adversidades del destino para los que no han sido preparados: la muerte, los lazos familiares, la enfermedad, la incomprensión.
Es nuestra última película asiática del festival, todos los que nos sigáis sabreís que esta amplia cinematografía tiene un importante hueco en el Sejie y en nuestro corazón. Pero aquí va otra propuesta más y para el que no lo conozca al menos dos reivindicaciones más de este pequeño gran director: Secret Sunshine y Poetry.
¿Son los personajes seres marginales? ¿Marginados de la sociedad, de sí mismos o de todo? ¿Quién marca esa marginalidad? Quizás todos aspiremos a un oasis que no siempre pueda llegar...
Título Original Cravan Vs. Cravan Director Isaki Lacuesta Año 2002, España Guión Isaki Lacuesta MúsicaVictor Nubla
FotografíaGerardo Gormenzano SinopsisEn 1918, el poeta y boxeador Arthur Cravan desaparece en el golfo de México sin dejar rastro. En la actualidad, otro boxeador y artista, el director de cine Frank Nicotra, inicia una investigación que lo llevará tras los misteriosos pasos de Cravan desde Suiza hasta México, pasando por París, Londres y Barcelona. Premios
Gran Angular en el Festival de Sitges a la mejor película en 2003
Mejor Director Novel en el Festival de Sitges en 2003
Mejor Opera Prima en el Festival de Sant Jordi en 2003
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¿Por qué la hemos elegido?
El gran problema del cine documental es su escasa difusión, y la noción ya generalizada en el público de que el documental es algo que se ve en televisión, y no algo por lo que se paga para ver en un cine. Sus realizadores suelen contar con no pocas dificultades en su filmaciones, con precariedad de medios y adversas condiciones de rodaje. Poco a poco y gracias a películas como Farenheit 9/11 (Palma de Oro de Cannes en 2004) los documentales van ganando su espacio en las salas de cine comercial del mundo. Desde el Sejie abogamos por una mayor difusión y censuramos la desafortunada etiqueta de “cine de segunda”.
Para ello hemos elegido el primer largo de uno de los mejores documentalistas españoles de la última década, Isaki Lacuesta. Este joven realizador, sólo tiene 36 años, tiene títulos tan importantes a sus espaldas como La leyenda del tiempo, Los Condenados o, la recientemente estrenada, La noche que no acaba, documental que repasa la vida de la actriz Ava Gadner.
Isaki nos acerca a la figura Arthur Cravan, sobrino de Oscar Wilde y reivindicador de su memoria, poeta vanguardista admirado por dadaístas y surrealistas, prófugo de los ejércitos de seis países, boxeador profesional, leyenda, Arthur Cravan, en el mundo Fabian Avenarius Lloyd (Lausana, 1887-desaparecido en el golfo de México 32 años después), es uno de esos personajes alucinantes de un siglo XX lleno de ellos.
Construida como una pesquisa en torno a un mito, con testimonios de artistas, poetas, galeristas, historiadores, coleccionistas y aficionados, aparecen entre otros en la película el nieto y biógrafo de Wilde, Merlin Holland, el pintor Eduardo Arroyo y, brindando un extraordinario testimonio, el único testigo directo del combate Cravan-Johnson, Juli Lorente, que tenía siete años.
El eje sobre el cual pivota el filme es otro artista vinculado al cuadrilátero, Frank Nicotra (Grenoble, 1965), director de cine y boxeador, que protagoniza la investigación sobre Cravan y deviene en el proceso como un álter ego del personaje.
Reparto Édgar Ramírez, Fadi Abi Samra, Ahmad Kaabour, Christoph Bach, Rodney El Haddad, Julia Hummer, Alexander Scheer, Talal El-Jordi, Nora von Waldstätten, Juana Acosta
Año 2010, Francia
Guión Olivier Assayas, Dan Franck
MúsicaVarios
FotografíaYorick Le Saux, Denis Lenoir
SinopsisIlich Ramírez Sánchez, alias Carlos, es un personaje clave en la historia del terrorismo internacional de los años 70 y 80. Considerado por algunos una figura de la extrema izquierda romántica, de hecho era un mercenario oportunista que trabajaba para los servicios secretos de cualquier potencia de Oriente Medio. Además, llegó a formar, al otro lado del Telón de Acero, una organización que estuvo activa durante los últimos años de la Guerra Fría.
Premios Premios del cine europeo: Premio al mejor montaje y nominado a la mejor dirección. Premio a la mejor miniserie hecha para tv (su montaje de más de seis horas) Premio al mejor director y mejor película extranjera de la Asociación de críticos de Los Ángeles. Premio a la mejor película extranjera según la National Society of Film Critics (NSFC). Premio a la mejor película extranjera según la Asociación de críticos de Nueva York. Premio Aces Especial para la actuación de Edgar Ramírez. Premio a la mejor película del Festival Internacional de cine de Sao Paulo.
¿Por qué la hemos elegido? Hoy en día son muchas las voces de entendidos que dicen que "el mejor cine se hace en televisión". Ahí están grandes ejemplos de series actuales como: Dexter, breaking Bad, Mad men, Modern Family, etc. Numerosos son los casos de creadores de cine que realizan incursiones en la televisión o de esos grandes directores que empezaron en la televisión.
Olivier Assayas es un gran director francés, responsable entre otras de Finales de agosto, principios de septiembre o Las horas del verano. Ahora realiza esta incursión en la televisión, adaptando más tarde su visión del terrorista a unaversión cinematográfica de no más de dos horas y media. El resultado derrotó a la miniserie bélica the Pacific, producida por Steven Spielberg y gran favorita para alzarse con el Globo de oro. Todo el mundo ha comentado el mimetismo de Edgar Ramírez con su personaje y la película ha obtenido grandes alabanzas si bien se celebra más la versión extendida para televisión, mucho menos "cortada". Esperemos con esta película contribuir a acercar esos dos mundos que son cine y televisión, para que comprobar que aunque hoy la televisión de vergüenza ajena, cuando se hace buena, puede serlo y mucho. Por que todos queramos ver la miniserie entera, después de esta película y porque nos provoque querer experimentar con otros cineastas televisivos-cinematográficos, como Raul Ruiz con su también celebrada Misterios de Lisboa.
RepartoRicardo Meneses, Beatriz Torcato, Andre Barbosa, Eurico Vieira, Joaquim Oliveira, Florindo Lourenço, Maria Paola Porru
Año 2000, Portugal
Guión João Pedro Rodrigues, Alexandre Melo, José Neves, Paulo Rebelo
MúsicaPaulo Rebelo, João Pedro Rodrigues
FotografíaRui Poças
SinopsisSergio, un atractivo joven recolector de basura, solitario, sin mayor compañía que la de su perro Lorde, recorre las calles de Lisboa con la intención de tener encuentros sexuales con hombres anónimos. Una noche se obsesiona con perseguir al que cree es el fantasma de sus sueños, y se mete en un juego que al final él no controla...
Premios 2000 Nominada al León de Oro en el Festival de Venecia. 2000 Gran Premio a la mejor película extranjera en el Festival de Entrevues.
2001 Ganadora del premio a la mejor película en el Festival de cine gay y lésbico de Nueva York.
2001 Nominado a los globos de oro portugueses al mejor actor protagonista.
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¿Por qué la hemos elegido?
La cinematografía portuguesa es esa gran desconocida, al menos para el que suscribe estas líneas. Sabíamos al iniciar esta andadura festivalera que precisamente por eso alguna incursión del país vecino habría entre las seleccionadas. Primero había que encontrar el autor para el que no había demasiadas opciones que nos interesaran de manera razonable: Manuel Oliveira, Joao Pedro Rodrigues o Pedro Costa. El segundo ha sido el seleccionado, quizás no con acierto pero sin con interés. Oliveira ese ese ser casi centenario que sigue realizando cine con el mismo amor por el séptimo arte que al principio y Pedro Costa es la persona más conocida en el circuito festivalero y crítico. Es admirado y reseñado a partes iguales en todas y cada una de las revistas especializadas.
El caso de Joao Pedro Rodriguez es más interesante: Su cine es paradigma de toda una generación y explora casi desde lo feista, de la disonancia de lo sensitivo, los sentimientos más profundos y aparentemente enterrados, los más irracionales: la necesidad de sexo, de amor, de violencia… Con esta película pretendemos descubrir una nueva filmografía, una forma diferente de narrar, una película áspera y cruda, pero real y honda. Y sobre todo reivindicar que a unos cuantos kilómetros, nuestros vecinos los portugueses, también llevan muchos años haciendo cine.
Reparto Jamie Bell, Sophia Myles, Ciarán Hinds, Jamie Sives, Claire Forlani, Maurice Roëves, Ewen Bremner, Ruth Milne, John Paul Lawler, Lucy Holt
Año 2007, Reino Unido
Guión David Mackenzie, Ed Whitmore (Novela: Peter Jinks)
Música Varios
Fotografía Giles Nuttgens
Sinopsis La madre de Hallam ha muerto ahogada, y su padre se ha casado con Verity, una mujer hermosa y excitante. Hallam sospecha que ella es la asesina de su madre y está dispuesto a demostrarlo, así que se dedica a espiarla con unos prismáticos. Lo malo es que cuanto más se convence de la perversidad de Verity, más atracción siente hacia ella. Huyendo de ese sentimiento se traslada a Edimburgo, donde conoce a una empleada de hotel que se parece bastante a su madre. Hallam toma de nuevo los prismáticos y desde un tejado observa la vida de su nuevo objeto de deseo...
Premios 2007 Mejor Actriz en los BAFTA de Escocia
2007 Oso de Plata a la mejor banda sonora en el Festival de Berlín
2007 Mejor fotografía en el festival de Copenhage
2007 Premio de la crítica en el Festival de Verona
RepartoColin Farrell, Q'orianka Kilcher, Christian Bale, Christopher Plummer, August Schellenberg, Wes Studi, Jonathan Pryce, David Thewlis, Noah Taylor
Año 2005, Estados Unidos
Guión Terrence Malick
Música James Horner
FotografíaEmmanuel Lubezki
SinopsisAmbientada en la América colonial, a principios de siglo XVII, "El nuevo mundo" es una aventura épica sobre el encuentro de las culturas europea y nativa americana durante la creación de la colonia Jamestown en 1607. Inspirada en la leyenda de John Smith y Pocahontas, historia de dos personajes fuertes, una apasionada mujer nativa de alto linaje y un ambicioso buscador de fortuna que se encuentran divididos entre las exigencias de sus deberes cívicos y las de su corazón.
Premios 2006 : Nominada a la mejor fotografía en los Oscar Mejor fotografía (kodak Award) en el Festival Mar de Plata.
Festival de Cine de Berlín (Berlinale): Estreno fuera de competición. Varios premios a su joven actriz protagonista en las asociaciones de críticos estatales de los Estados Unidos (antesala de los Oscar)
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¿Por qué la hemos elegido?
Cualquier película de Terrence Malick es un acontecimiento. Y todo por varias razones: lo es por su dilatada carrera (tan sólo cinco películas en 38 años); por su precisión técnica y estilística; por su control exhaustivo de cada detalle en sus obras como la que se recuerda del gran Stanley Kubrick. Y sin embargo, hasta este año, este director no ha alcanzado el estatus que merecía. Desde Malas tierras a El árbol de la vida (The tree of life) que le supuso su primera Palma de Oro en Cannes este año, hay todo un historial fílmico si hablamos de calidad, no de cantidad. Una de sus obras maestras es La delgada línea roja, ninguneada en los Oscar en favor de la mucho más amable, cursi y facilona Shakespeare enamorado. Ese año, amigos las cinco nominadas fueron: Shakespeare 8que acabó ganando; La delgada línea, La vida es bella, Salvar al soldado Ryan y Elizabeth. Creo que como tantas otras veces ganó la peor. Pero ese no es el tema que nos ocupa.
La hemos elegido porque Malick rueda con maestría, con lirismo y con poesía. Es capaz de dotar a sus historias de un protagonismo casi místico. Esto conlleva que pueda pecar de egocéntrico o más estrictamente de pretencioso y por eso está seleccionada esta película, la menos laureada de Malick, la más controvertida, la aparentemente menos interesante... para que caigáis o no, de uno de los dos lados: entre los que nos sentimos fascinados por su cine y los que no soportan tanta pedantería. Espero sinceramente que no nos defraude.
SinopsisUna dura película sobre los esfuerzos de una familia del kurdistán iraní que trata de conseguir dinero para inentar curar a su hijo enfermo. Desesperados, la hermana menor del chico accede a casarse con un hombre iraquí a cambio de que cuide de su hermano. En una epoca cuando los caballos se emborrachan para aguantarse el dolor, Ayoub y su familia viven en un pequeño pueblo kurdo en la frontera entre Irak e Irán. Cuando su padre es asesinado el contrabando de mercancías a través de la frontera, Ayoub se convierte en responsable de los demás niños de su familia y él debe encontrar alguna manera de apoyarlos. Con pocas opciones, Ayoub toma en el mismo trabajo peligroso que mató a su padre, el contrabando de productos cotidianos a través de la frontera. Cuando se pone de manifiesto que su hermano discapacitado Madi requiere una operación para prolongar su vida, Ayoub debe tomar grandes riesgos con el fin de ganar suficiente dinero para la cirugía.
Premios 2000 Cámara de Oro y Premio de la Crítica Internacional en el fetival de Cannes
2000 Premio Especial del Jurado en el festival de Chicago
2000 Premio Especila del Jurado en el festival de Guijón
2000 Premio a la libertad de expresión por La Asociación Nacional de Críticos de Cine de EU
2000 Premio Internacional del Jurado en el festival de Sao Paolo
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¿Por qué la hemos elegido?
Primer largometraje del director iraní Bahman Gobadhi (trabajó como ayudante de dirección con Abbas Kiarostami) cuya corta filmografía contiene títulos tan importantes como Las tortugas también vuelan o Nadie sabe nada de gatos persas. Desde aquí nos gustaría homenajear al cine iraní y a todos los directores que consiguen rodar en circunstancias nada fáciles. Mohammad Nurizad cumple una sentencia de tres años y medio por "insultar a las autoridades y propaganda contra la República Islámica"; Jafar Panahi condenado a seis años de cárcel por actuar "contra el régimen islámico", y Mohammad Rasulof espera el resultado de su apelación a la misma pena. Otros como Mohsen Makhmalbaf o Abbas Kiarostami hace ya tiempo que trabajan fuera de su país para evitar la censura. El mismo Bahman Gobadhi tuvo que huir de Irán tras el rodaje clandestino de Nadie sabe nada de gatos persas.
En las dos últimas décadas, dentro de los escenarios internacionales, el cine iraní ha tenido una presencia considerable y continua. Este asunto ha originado discusiones sobre los motivos de estos éxitos. Los expertos y críticos del cine, además de las aptitudes de los artistas iraníes, han considerado la rica cultura del país persa como el más importante elemento que ha conducido hacia el éxito al cine iraní.
Gobadhi, de origen kurdo, nos cuenta historias duras y realistas sobre la vida kurda. Un tiempo para los caballos borrachos es un retrato enormemente impactante del sufrimiento de los niños en un mundo cruel e injusto. Realizada por actores en su mayoría no profesionales, en un tono de documental ficción, con un fondo devastador y pesimista. La historia se desarrolla en las desoladas y nevadas montañas del Kurdistán iraní, junto a la frontera iraquí.
Reparto Gina Pareño, Jacklyn Jose, Julio Diaz, Kristoffer King, Dan Alvaro, Coco Martin
Año 2008, Filipinas
Guión Armando Lao
Música Gian Gianan
Fotografía Odyssey Flores
Sinopsis La familia Pineda regenta un cine de provincias donde a diario se ofrece doble sesión de cine erótico. Este antiguo edificio también se ha convertido en vivienda para ellos. La madre Nanay Flor, su hija Nayda, su yerno Lando y su hija adoptada Jewel se encargan de la taquilla y el bar. Sus sobrinos Alan y Ronald se ocupan del diseño de la cartelería y el proyector respectivamente. Paralelamente, el marido de Flor se enfrenta a un juicio acusado de bigamia después de varios años separado de la familia.
Premios 2008 nominado a la Palma de Oro en Cannes
2008 mejor película del sureste asiático en los Golden Kinnaree Award
2008 mejor actriz de reparto para Gina Pareño en los Premios del Cine Asiático
2009 mejor película y mejor director en los Gawad Urian Award
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¿Por qué la hemos elegido? Cabeza visible de la nueva ola del cine filipino (junto a Lav Diaz, Adolfo Alix o Raya Martin), Brillante Mendoza se convirtió, gracias a esta película, en el primer director filipino, después de 24 años, en participar en la sección oficial del festival de Cannes (el último había sido Lino Brocka con Bayan Ko en 1984).
Serbis (que significa “servicio de prostitución”) es un filme con fuerte carga erótica que ha sido menospreciada por parte de la crítica y no ha llegado a exhibirse en las salas comerciales de algunos países por mostrarnos escenas sexuales bastante explícitas. Pero Serbis es mucho más que una película erótica, nos muestra el día a día de una familia de varias generaciones en su lucha por salir adelante en una ciudad como Manila. Una mirada hacia la Filipinas de hoy, en la que las mujeres son y han sido las que proporcionan el sustento principal a sus familias, las que han llevado la pesada carga de servir a los suyos, en lo que se incluye la prostitución de sus jóvenes con demasiada frecuencia.
RepartoCharles Busch, Angela Paton, Jason Priestley, Natasha Lyonne, Frances Conroy, Philip Baker Hall, Stark Sands, Josh Hutchinson, Victor Raider-Wexler, Nora Dunn, Christopher McDaniel, Tom Hughes, Stanley DeSantis, Paul Vinson.
Año 2003, Estados Unidos
Guión Charles Busch (Obra: Charles Busch)
Música Dennis McCarthy
Fotografía Kelly Evans Género Comedia
Duración 90 min.
Sinopsis Angela Arden (interpretada por el actor Charles Busch) es una diva del mundo de la canción venida a menos que, decidida a renacer de sus cenizas, intenta matar a su marido Sol Sussman (Philip Baker Hall) con un supositorio de arsénico, para irse con su joven y apuesto amante, Tony (Jason Priestley). Premios y nominaciones Golden Zenith en el Festival de Montreal 2003
Premio Especial del Jurado en Sundance 2003
Título original: Distance Director: Hirokazu Kore-Eda Reparto: Arata, Yusuke Iseya, Susumu Terajima, Yui Natsukawa, Tadanobu Asano, Kenichi Endo, Seminosuke Murasugi, Baijaku Nakamura, Kanji Tsuda, Yorie Yamashita Año: 2001, Japón Género: Drama Duración: 132 minutos Sinopsis:Una masacre realizada por los seguidores de una secta apocalípitica, El Arca de la Verdad, deja más de 100 muertos. Tres años después, los familiares de los asesinos se reúnen como cada año en el lago donde los difuntos vivían, para conmemorar su muerte. Pero no podrán volver a la ciudad sin antes pasar unos días en la casa, donde antaño sus familiares planearon dar muerte a gente inocente. Allí encontrarán a un joven que vivió con ellos, pero que desertó en el último instante de participar en el atentado.
Premios y nominaciones:
Nominado a la palma de oro de Cannes en el año 2001
Trailer de la película:
¿Por qué la hemos elegido?
Es difícil que cualquiera de las películas propuestas para el Sejie tenga un argumento tan poderoso como tiene esta película japonesa. Si a eso sumamos que su realizador es uno de los más interesantes de los últimos años a nivel mundial; tenemos al menos una cinta que no pretende defraudar a nadie, que espera ser contemplada desde la cercanía y desde la distancia con una mirada caleidoscópica que permita cientos de lecturas. Kore Eda ya nos sorprendió con bastantes cintas entre las que destacamos Nadie sabe o Still Walking, el año pasado nos contó su propia versión de Pinocho en la genialmente dirigida Air Doll.
Ahora que más que nunca parece que las voces están unidas, que no hay tanta distancia como parecía; ahora que somos capaces de hablar de lo que nos une, pero también de lo que nos separa, Distance propone un juego de recapacitación ante la maldad de las cosas buenas y la bondad de las malas. De la locura violenta de las sectas a la apacible amistad de varios desconocidos que se unen sólo por el dolor. ¿os recuerda a algo?
Sinopsis Cuando Yuki, una niña franco-japonesa de 9 años, se entera de que sus padres se separan, comprende que deberá irse con su madre a Japón. Además de separarse de su padre, este exilio la obligará a dejar a Nina, su única amiga. Juntas intentarán impedir esta separación. Finalmente, fugarse al bosque les parece la última salida...
Premios y nominaciones
Yuki et Nina consiguió la sexta posición por número de votos en la revista Cahiers Du Cinema España. Ese año la película Paranoid Park fue la preferida por los críticos. Por delante de Un cuento de navidad, Malditos bastardos, Gran Torino y Still Walking. Entre los lectores ocupó la posición decimosexta. Concursó en la Quincena de Realizadores del Festival de Cannes y en el Festival de cine de San Sebastián.
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¿Por qué la hemos elegido?
Cuando apareció Cahiers du Cinema España, y no es óbice nombrar a esta revista, Un nuevo espíritu crítico nació en este país intentando encontrar ese cine invisible que desde el número 1 (en mayo del año 2007) intenta encontrar. Ellos me descubrieron este título que por avatares del destino no pude ver en pantalla grande.
¿Cine amable o cine surrealista? ¿Infantil o adulto? ¿cine de corte clásico o totalmente contemporáneo? ¿Cine francés o transnacional? ¿cine muerto o cine vivo? ¿Cine visible o invisible?
Sólo puedo decir que en ocasiones recuerda a esa gran Ana Torrent de El espíritu de la colmena. Espero que la disfrutemos y que hagamos a esta pequeña película un huequecito "visible" en nuestro festival
Título Original Crossing the Bridge: The Sound of Istanbul
Director Fatih Akin
Año 2005, Alemania
Guión Fatih Akin
Música Alexander Hacke
Sinopsis Desde un punto de vista occidental, la película muestra una ciudad extraña, tensa, erótica, peligrosa y tentadora. El músico Alexander Hacke, miembro de la vanguardista banda alemana "Einstürsende Neubaten" durante más de 20 años, se sumerge en esta fantástica ciudad en busca de fuentes musicales, influencias y diferentes perspectivas. Descubre una increíble variedad musical, desde la música electrónica, pasando por el rock y el hip-hop, hasta la música árabe.
Estambul arde. Si Berlín fue la ciudad más de moda a principios de los 90 y La Habana a finales de la misma década, es posible que el nuevo milenio haya escogido a Estambul para representar a la nueva megaciudad europea. Pero la cuestión es, ¿pertenece Estambul a Europa?
Hoy en día, muchos DJ, músicos y cantantes del mundo entero van a Estambul en busca de inspiración y del secreto de esta bella ciudad.
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¿Por qué la hemos elegido?
Fatih Akin es uno de los directores más prometedores del cine europeo, en su haber tiene títulos tan importantes como “Contra la pared” (2004), “Al otro lado” (2007) o “Soul Kitchen” (2009), además de participar en el guión de “Kebab Connection” (2005).
En “Cruzando el puente: los sonidos de Estambul”, de tan hermoso título, Akin se adentra en el terreno del documental, en un regreso al país de sus ancestros (él es turco nacido en Alemania, en Hamburgo, concretamente), para, utilizando a su músico Alexander Hacke como cicerone (estaba componiendo la música de "Contra la pared"), intentar radiografiar a la bella ciudad otomana a través de su música. Además, Akin no se limita a mostrarnos hermosas canciones y ritmos, sino que también se implica en temas más escabrosos: la represión cultural del pueblo kurdo, por ejemplo, expuesta con sencillez, sin sectarismos ni tampoco catastrofismos. Las músicas se van sucediendo, como un oasis de paz y tranquilidad, de sensibilidad armónica, tan diversas y a la par tan parecidas, tan humanas por muy diversa que sea su génesis.
Sinopsis Primer largometraje del ganador del Oscar Adam Elliot, "Mary and Max" narra la larga amistad por correspondencia entre un cuarentón judío y obeso de Nueva York y una niña australiana de 8 años que vive en los suburbios de Melbourne.
Premios y nominaciones
Ganadora del premio a la mejor película en el Festival Internacional de Animación de Annecy
Mejor película animada en los premios Asia Pacific
Mejor dirección en el gremio de directores australianos.
Festival de Berlín: Oso de Cristal (mención especial - Generation 14plus)
Gran premio del Jurado del Festival Internacional de animación de Ottawa
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¿Por qué la hemos elegido?
Entre toda gran selección de peliculas y entre las elegidas para una gran fiesta del cine como es el Sejie, o como pueda ser Cannes, normalmente se cuela una película animada, de corte intimista o con una visión cinematográfica lejana a las imposiciones disneyianas y mucho más cercana a los nuevos cines, a las nuevas visiones...
Es el caso de Mary and Max, desde Australia nos llega esta bonita historia que recordará al mundo de Amelie. Esperamos que nos transporte a la infancia o que nos devuelva a ella, o simplemente que nos emocione tanto como otras grandes películas animadas, porque bajo mi punto de vista, hoy en día el mejor cine animado se hace para adultos. Que la disfrutemos!
Sinopsis Tres historias de amor y dolor: Sawako y Matsumoto eran una pareja feliz pero las presiones de sus entrometidos padres les obligarán a tomar una decisión vital. Hiro es un anciano jefe de la yakuza.n Treinta años antes era un pobre trabajador de una fábrica que abandonó a su amada novia por sus sueños de prosperar. Ahora vuelve al parque donde ambos se encontraban. Haruna se pasa parte del tiempo mirando al mar, su bello rostro está ahora cubierto de vendas. No hacía mucho tiempo, ella era una cantante de pop de éxito que vivía entre shows de televisión y sesiones de autógrafos.
Premios y nominaciones Seis nominaciones en los premios del cine japonés del 2003
Mejor actriz en el Hochi Film Awars en 2002
Mejor Director en el Festival de Damasco en 2003
Nominada al León de Oro en el Festival de Venecia en 2002
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¿Por qué la hemos elegido?
El polifacético Kitano tenía que estar en el sejie, tres de sus películas de la década pasada podían participar en el festival, Zatoichi, Brother y Dolls, pero sólo esta última no la habíamos visto ninguno de los tres y por tanto fue la elegida.
El título de la película (muñecas) hace referencia a las marionetas del teatro Bunraku japonés,que tomará como punto de partida para construir este intenso drama en el que, como en casi todo su cine, pero aquí de forma especial, la belleza de las imágenes predomina sobre la palabra.
El teatro Bunkaru -el teatro tradicional japonés de marionetas- es de donde nace este film, que al fin y al cabo es un homenaje al dramaturgo japonés Chikamatsu Monzaemon. Creador de la tragedia amorosa popular, de historias sentimentales que vuelven a estar de moda en la actualidad, Kitano lo inmortaliza como guionista de situaciones sentimentales que sobreviven a todos los tiempos. Según el director, es como un truco de magia por el cual personajes aparentemente normales, incluso con vidas anodinas, consiguen elevar a la categoría de amor verdadero su historia, cuando la muerte se acerca. Aquí los personajes se convierten en marionetas gracias a su interpretación contenida y al increíble vestuario que diseñó Yamamoto acorde con los paisajes y las miserias de cada uno de ellos.
El propio Kitano reconocía que en condiciones normales el vestuario se diseña después de que toda la secuencia está lista, pero en “Dolls” el proceso se invirtió. Dio libertad absoluta a Yamamoto, de modo que muchos paisajes se buscaron después para que la composición entre la naturaleza y los vestuarios formara un marco perfecto e indisoluble. Los actores se convierten en marionetas que tienen que enfrentarse a situaciones actuales aunque dentro de un marco que bien podría ser el de un teatro. De hecho, un ejercicio más que estimulante es el de imaginar que los actores son marionetas que se desenvuelven dentro del Bunkaru.
Takeshi Kitano afirmó que fue su abuela Yaeko Tagimoto, una gran figura de Gidayu -la música que acompaña al Bunkaru-, quien le acercó a este mundo, mitad magia, mitad tragedia. A la casa de la abuela iban alumnos jóvenes que querían aprender de sus clases y con los que Kitano se mezclaba interiorizando así el Bunkaru.
Reparto Konstantin Lavronenko, Alexander Baluyev, Maxim Shibaev, Katya Kulkina, Maria Bonnevi
Año 2007, Rusia
Género Drama
Duración 150 min
Sinopsis Alex y Vera, un matrimonio de una ciudad industrial, abandona el hogar junto a sus dos hijos para irse a vivir al pueblo de dónde el marido es originario, instalándose en la vieja casa de su padre.
En el campo, alejados de la sociedad, cada miembro de la familia comenzará a cambiar hacia una dirección distinta, aunque manteniendo un frágil equilibrio, el cual se verá roto con la llegada de Mark, el hermano de Alex.
Premios y nominaciones
Mejor actor (Konstantin Lavronenko) en el Festival de cine de Cannes del año 2007.
Ganador del Russian Film Clubs Federeration award en el Festival Internacional de Cine de Moscú.
Nominada a la mejor fotografía en los Premios de cine europeo.
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¿Por qué la hemos elegido?
Cuando un desconocido director ruso de apellido impronunciable conquistó el León de Oro en Venecia en el año 2003, todo fueron alabanzas para su película. Se comparaba su cine con el del gran director ruso Tarkovsky e incluso con el de uno de los más proclives e interesantes cineastas europeos: Ingmar Bergman.
Su primera película ha sido para mí la mejor ópera prima europea del S. XXI y no exagero. Es una cinta que tras su visionado puede cambiar sin duda una forma de ver o entender el cine. Puede atraer a públicos jóvenes a una nueva dimensión fímica mucho más cernana a la poesía, a los sentimientos, al desgarro desde lo visual, que otras muchas propuestas, mucho más sencillas de disfrutar.
Nos esperan dos horas y media de ritmos pausados, profundidad temática, hondura en los sentimientos y en las sensaciones, diálogos lejanos de lo vacuo. O al menos eso esperamos. Si es un digno hermano de su antecesora, no habrá defraudado lo más mínimo.
Reparto Tang Yun, Liu Peiqi, Chen Hong, Wang Zhiwen, Chen Kaige, Chen Qiang
Año 2002, China
Género Drama, Música, Adolescencia
Duración 116 min
Sinopsis El joven violinista Xiaochun y su padre se trasladan desde la pequeña ciudad de provincias hasta Beijing, para que Xiaochun pueda acudir a una prestigiosa academia de música. Su nueva vida, lejos del ambiente familiar pero lleno de esperanzas, permite al joven averiguar en qué dirección quiere encauzar su futuro.
Premios y nominaciones
Concha de plata al mejor director y al mejor actor en el Festival de San Sebastian, 2002
Premio del público en el Festival de Florida, 2003
Siete nominaciones en los premios de la Academia del cine chino en 2002 (ganó 3, director, actor de reparto y edición)
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¿Por qué la hemos elegido?
Somos conscientes que muchas de la películas elegidas para esta primera edición del Sejie tratan temas muy duros o utilizan lenguajes diferentes a los acostumbrados, y tal vez resulten difíciles de ver. Por ello necesitábamos elegir algunas películas de corte más clásico y que resultaran más agradables, lo cual no significa que su calidad sea mayor o menor, simplemente son películas que estamos más acostumbrados a ver.
Creemos que Together puede desempeñar esta función sin restarle calidad. Dirigida magistralmente por Chen Kaige, uno de los directores chinos más destacables de las últimas décadas, es una película de enorme sensibilidad y buen gusto, que además desarrolla gran variedad de temas como el amor paterno-filial, el sacrificio, la lucha por las oportunidades, el aprendizaje, los contrastes entre el pueblo y la ciudad, la adolescencia....
SinopsisAtim no conoció a su padre, ya que murió antes de que él naciera en la larga guerra del desierto del Chad. Lo crió su abuelo y ahora, cumplidos 15 años, el anciano le entrega una pistola y le señala el sitio donde vive el hombre que mató a su hijo. El asesino se llama Nassara, tiene una panadería y reparte pan gratuito a los niños del barrio. Acoge como aprendiz a Atim, enseñándole el oficio con paciencia y cariño infinitos, apreciando sus progresos. Ya no es el mismo que lo dejó sin padre y aún así el chico sigue cada día esperando el momento de la venganza.
Premios y nominaciones
Venecia: Premio del Jurado. Premio Unesco. Premio Signis. Mención Especial al Premio a los Derechos Humanos. Premio EIUC.
Ouagadougou Panafrican Film and Television Festival: Etalon de Bronze, Mejor Fotografía, Premio de la Unión Europea.
Por las venas de los cinéfilos fluye algo igual de poderoso que la sangre: la curiosidad. Esa curiosidad, el afán por indagar y descubrir nuevas películas, nos lleva a la búsqueda constante de aquellas obras que, ya sea por su (presunta) anticomercialidad, sello de autor, problemas de distribución o complejidad, permanecen enterradas en el inmenso cajón del olvido donde quedan relegadas tantas obras interesantes y en buena medida, a reivindicar. Menos mal que existe este maravilloso invento llamado internet que, por mucho que algunos se empeñen en tachar de lo contrario, contribuye a que el cine siga vivo.
En nuestra particular aventura por seleccionar un puñado de películas estimulantes, atractivas y de diferentes culturas, nos topamos con “Daratt”. Con ecos a “El hijo” de los hermanos Dardenne, por la compleja relación entre un joven y un adulto fatalmente unidos; a “La muerte y la doncella” de Roman Polanski, y a “Hana” de Hirokazu Koreeda, por la búsqueda de redención hambrienta de justicia, creemos que estamos ante un más que apetecible plato.
No obstante, a pesar de su atractivo planteamiento y de sus importantes galardones en Venecia, “Daratt” es una de esas películas que permanece enterrada en el olvido del que desde aquí queremos, a nuestra manera, rescatar.
